Tinta y oro: El arte de la escuela Kanō

Escuela Kanō, Pájaros y flores de las cuatro estaciones, siglo XVI, Metropolitan Museum of Art

Bajo el título de Ink and Gold: Art of the Kanō, se inauguró en días pasados en el Philadelphia Museum of Art la primera gran retrospectiva fuera de Japón de parte del legado de la escuela de pintura Kanō 狩野派, conocido taller pictórico al servicio del poder de la aristocracia militar desde finales del siglo XV y hasta fines del período Tokugawa, a mediados del siglo XIX.
Esta escuela de pintura, quizás la más famosa en la historia del arte de Japón, se dedicó a producir un número importante de las pinturas sobre fusuma 襖 (páneles corredizos), biombos, y kakejiku 掛軸 (rollos verticales), entre otros formatos, que decoraban en palacios y castillos las habitaciones públicas y privadas de los principales representantes del poder shogunal de la época, de otros funcionarios de alto rango, así como señores de provincia. Si bien en un inicio, y durante buena parte de su existencia, esta escuela se alimentó de temáticas y técnicas de origen chino, poco a poco fue introduciendo elementos particularmente japoneses tanto en su forma, paleta, como contenido.
Entre sus artistas más representativos podemos mencionar a su fundador Kanō Masanobu (1434-1530), así como a Kanō Eitoku 狩野永徳 (1543-1590), muy conocido este último por sus diseños para el castillo Azuchi 安土城 del general Oda Nobunaga 織田信長 (1534-1582), pinturas que lamentablemente hoy no se conservan por cuenta de la destrucción del castillo en las guerras por la unificación del país a fines del siglo XVI.
Kanō Eitoku (atribuido), Ciprés, siglo XVI, Tokyo National Museum

La exposición del Museo de Filadelfia ha reunido un número considerable de piezas que provienen de diferentes colecciones públicas y privadas; muchas de ellas expuestas por primera vez en los Estados Unidos. Para mayor información sobre la exhibición, los remito al enlace oficial de la misma.

Exposición de tazones de té coreanos

Hace unos días se inauguró aquí en Kioto una exhibición de la obra del ceramista coreano Yu Gilsam 劉吉三, quien es uno de los más importantes maestros de tazones de té (chawan 茶碗), y quien intenta recrear tanto las técnicas como las tipologías y esmaltados de los tazones de té del período Joseon 조선 (1392-1897), en Corea, que fueron de decisiva influencia para la producción de chawan de la época Momoyama 桃山 (1568-1600), en Japón.
Es durante esa época en Corea cuando se estandariza la ceremonia de té, que se diferencia de la japonesa, entre otros elementos, por su ambiente más relajado y abierto. Como parte de los utensilios para la ceremonia, se le dio especial importancia al esmaltado de los tazones de té. Este no sólo buscaba efectos de color en dependencia de las variaciones estacionales o de luz, sino además imitar texturas que encontramos en la naturaleza, como las cuarteaduras de la piel, la corteza del bambú, o la superficie de una piedra, entre otras.
Para el caso particular de la ceremonia de té japonesa, de estilo wabi, que estandariza el maestro Sen no Rikyū 千利休 (1522-1591) en la segunda mitad del siglo XVI, los tazones de procedencia coreana fueron altamente apreciados, y no sólo se importaron en grandes cantidades, sino su técnica y estilo fueron adoptadas por ceramistas japoneses.
La exposición, además de los tazones de té del maestro Yu, estuvo acompañada de fotografías tomadas con microscopio a detalles del esmaltado de sus piezas. Según palabras del maestro, la intención de las fotos es mostrar cómo hasta los más pequeños detalles conforman una representación de la naturaleza, es decir sostiene la conocida idea (muy trabajada para el caso de la ceremonia de té japonesa) del universo en un tazón de té.
A continuación les comparto algunas fotos de la muestra.